JOHNNY RIVERS Whiskey A Go Go

Johnny Rivers Whiskey A Go Go: Um Marco na História da Música Ao Vivo

O Whiskey A Go Go é um lendário clube noturno em West Hollywood, Califórnia, que tem sido um destino para músicos e fãs de música ao vivo há mais de seis décadas.

Em 1964, o jovem músico Johnny Rivers tocou no Whiskey A Go Go pela primeira vez e rapidamente se tornou um dos artistas mais populares do local. Seus shows energéticos e cheios de soul se tornaram uma sensação, e ele logo se tornou um dos nomes mais reconhecidos da cena musical de Los Angeles.

Foi em 1964 que Johnny Rivers lançou um álbum ao vivo gravado no Whiskey A Go Go, intitulado "Johnny Rivers Live at the Whiskey A Go Go".

O álbum foi gravado em duas noites consecutivas em maio de 1964 e apresentou Rivers e sua banda tocando alguns dos seus sucessos, bem como covers de músicas de outros artistas populares da época.

O álbum foi um grande sucesso e chegou ao topo das paradas de sucesso da Billboard. Ele também se tornou um marco na história da música ao vivo, mostrando a energia e o entusiasmo que os artistas podiam trazer para o palco.

Foi um exemplo pioneiro do que hoje é comum na indústria da música, com inúmeros artistas gravando álbuns ao vivo em clubes noturnos e locais de música em todo o mundo.

As performances de Rivers no Whiskey A Go Go são lendárias. Ele era conhecido por sua habilidade em misturar estilos musicais e por sua paixão pela música soul e rhythm and blues.

Suas interpretações de músicas como "Memphis, Tennessee", "Maybellene" e "Midnight Special" são exemplos da sua habilidade em transformar músicas populares em algo novo e empolgante.

A banda de Rivers também foi fundamental para o sucesso do álbum. Seus músicos habilidosos, incluindo o lendário guitarrista James Burton, criaram uma base sólida para as performances energéticas de Rivers.

A interação entre Rivers e sua banda é evidente no álbum, com momentos de improvisação e mudanças inesperadas nas músicas.

O legado de Johnny Rivers e seu álbum ao vivo gravado no Whiskey A Go Go continua a influenciar músicos e fãs de música ao vivo até hoje.

O álbum é um exemplo da energia e do entusiasmo que um artista pode trazer para o palco, e a habilidade de Rivers em misturar estilos musicais continua a ser uma inspiração para muitos músicos.

O Whiskey A Go Go também continua a ser um marco na história da música ao vivo, com artistas de todos os gêneros musicais tocando em seu palco ao longo das décadas.

O local é um símbolo do espírito da música ao vivo e do papel vital que os clubes noturnos desempenham na cena musical.

ROGER WATERS e SINÉAD O´CONNOR

Artistas de atitude que criaram polemica e uma trajetória de sucesso

George Roger Waters nasceu em 6 de setembro de 1943 em Great Bookham, Surrey, cidade ao sul de Londres.

Waters ficou muito marcado com a mote de seu pai, Eric Fletcher Waters, na guerra, durante a invasão britânica de Anzio, na Itália. Em muitas de suas composições o tema de guerra está presente.

Sinéad O'Connor teve a vida marcada por reveses que moldaram sua personalidade e lhe marcaram para sempre. Sofreu abusos na infância, já tentou suicídio em meio a conturbada carreira.

Foi excomungada por tentar ser líder de uma seita. Sua voz doce se destaca ao mesmo tempo em que sua cabeça raspada a dá um tom de rebeldia.

O'Connor partilhou um vídeo recentemente, que dedicou às pessoas que sofrem das mesmas doenças mentais, depressão e doença bipolar.

Colaboração entre Roger Waters e Sinéad O'Connor

A colaboração entre Roger Waters e Sinéad O'Connor é uma das mais interessantes e memoráveis na história da música.

Embora os dois artistas tenham estilos muito diferentes, eles encontraram um terreno comum em suas crenças políticas e sociais, o que levou a uma colaboração muito bem-sucedida.

Roger Waters é um músico britânico conhecido por sua carreira como baixista, vocalista e principal compositor da banda Pink Floyd.

Ele também é conhecido por suas opiniões políticas e sociais fortes e controversas. Sinéad O'Connor é uma cantora e compositora irlandesa conhecida por sua voz poderosa e letras profundas.

Ela também é uma ativista social e política que fala abertamente sobre questões como o feminismo e a luta pela paz na Irlanda do Norte.

A colaboração entre Waters e O'Connor começou em 1990, quando eles se encontraram pela primeira vez durante a gravação de um programa de TV.

Eles se conectaram instantaneamente por causa de suas opiniões compartilhadas sobre política e justiça social. Waters convidou O'Connor para se juntar a ele na turnê mundial "The Wall Live in Berlin", que foi realizada em comemoração à queda do Muro de Berlim.

Durante a turnê, Waters e O'Connor tocaram juntos a música "Mother", do álbum "The Wall" do Pink Floyd. A colaboração foi um grande sucesso e ajudou a consolidar a amizade entre os dois artistas.

Depois da turnê, Waters e O'Connor continuaram a colaborar, gravando juntos a música "The Last Refugee" em 2017, que foi lançada no álbum "Is This the Life We Really Want?" de Waters.

A colaboração entre Roger Waters e Sinéad O'Connor é um exemplo de como a música pode unir pessoas com opiniões e crenças diferentes, mas com um objetivo comum.

Ambos os artistas usam sua música para transmitir mensagens poderosas sobre a injustiça social e política, e sua colaboração é uma forma de amplificar essas mensagens.

Além disso, a voz única de O'Connor complementa perfeitamente o estilo musical de Waters, tornando sua colaboração única e memorável.

Em resumo, a parceria entre Roger Waters e Sinéad O'Connor é um exemplo notável de como a música pode transcender fronteiras e unir pessoas com ideias comuns, independentemente de suas diferenças culturais ou musicais.

É uma colaboração que deixou sua marca na história da música e continuará a ser lembrada por gerações futuras.

GLENN HUGHES conhecido com The Voice of Rock

Stevie Wonder certa vez chamou Glenn Hughes de seu cantor favorito

O vocalista, baixista e compositor Glenn Hughes é um verdadeiro original. Nenhum outro músico de rock esculpiu um estilo tão característico que combina os melhores elementos de hard rock, soul e funk.

Essa voz surpreendente é o cartão de visitas de Glenn Hughes. Ele é conhecido como cantor de cantor. Stevie Wonder certa vez chamou Hughes de seu cantor favorito.

Hughes, um nativo de Cannock, Inglaterra, absorveu todos os tipos de influências, incluindo os primeiros hard rock britânicos, os Beatles e, mais importante, soul e R & B americanos. O som elegante da Motown, de Detroit, e o gritante som Stax Volt, de Memphis, deixaram sua marca nele.

A primeira banda importante Hughes foi Trapeze. Em 1973, Hughes se juntou ao Deep Purple que na época ficou com a seguinte formação, Ritchie Blackmore, Jon Lord, Ian Paice, David Coverdale e Glenn Hughes.

Outra importante situação de sua carreira ocorreu quando ele começou a trabalhar com Tony Iommi, do Black Sabbath, no primeiro álbum solo do lendário guitarrista.

O resultado, Seventh Star amplamente subestimado em 1986, foi oficialmente creditado como Black Sabbath Featuring Tony Iommi para satisfazer os desejos de marketing da gravadora.

Tecnicamente, isso faz de Hughes um ex-membro do Black Sabbath também. Hughes e Iommi permaneceram amigos e, em 1996, começaram a compor músicas e gravar juntos novamente.

Essas gravações foram amplamente pirateadas, mas acabaram sendo finalizadas e lançadas em 2004 como The 1996 DEP Sessions.

Em 2010 no supergrupo BLACK COUNTRY COMMUNION com o astro da guitarra Joe Bonamassa, o tecladista Derek Sherinian, Dream Theater, e o baterista Jason Bonham, filho da falecida lenda do Led Zeppelin, John Bonham. A banda lançou seu álbum de estreia em 20 de setembro de 2010.

O álbum foi para o décimo terceiro lugar no UK Official Album Chart e primeiro lugar no UK Rock Chart Chart.

Glenn Hughes 2015 depois de sua bem-sucedida turnê do Music For The Divine na Europa em 2006, Glenn fez turnês de sucesso na Rússia, América do Sul, Itália, Noruega e Espanha, além de shows solo em Londres - no prestigiado Shepherds Bush Empire - Bulgária e Grécia.

2016 foi seu ano mais movimentado ainda, com festivais de verão e shows individuais nos EUA, Reino Unido e Europa, além disso, viu o lançamento de seu primeiro álbum solo em mais de 8 anos!

Resonate é um retorno triunfante para formar The Voice of Rock, desde o álbum de abertura, Heavy, até os últimos acordes do mais próximo, Long Time Gone, tornando-o o Álbum do Ano para muitos e um verdadeiro lançamento marco Glenn Hughes.

2017 começou com o retorno triunfante de um BLACK COUNTRY COMMUNION reunido, que imediatamente entrou em um estúdio em Los Angeles para gravar seu quarto álbum.

Logo depois, foi direto para o Reino Unido e Europa para começar sua turnê solo em apoio ao Resonate, que também contou com MALCOME BRUCE, filho de Jack Bruce, KOFI BAKER, filho de Ginger Baker e WILL JOHNS, sobrinho de Eric Clapton.

O 2018 começou com o BLACK COUNTRY COMMUNION tocando em 2 shows exclusivos esgotados no Reino Unido e em apenas alguns dias, o lançamento mundial da performance de Glenn no novo álbum de JOE SATRIANI, What Happens Next, fez sua estreia.

O resto de 2018 parece ser mais um ano movimentado com a produção ao vivo, os planos de turnê do Glenn Hughes Performs Classic Deep Purple Live confirmados, abrangendo a América do Sul, Reino Unido, Europa e além!

Informações retiradas da biografia autorizada.

Glenn Hughes - Classic Deep Purple 2018 full concert no Rio de Janeiro

MOSTLY AUTUMN

Mostly Autumn influências do Genesis, Pink Floyd, e música folclórica

Mostly Autumn é uma banda de rock progressivo originária do Reino Unido, formada em 1995. Com um estilo musical único que combina elementos do rock clássico, folk e música celta.

A banda é liderada pelo casal Bryan Josh (guitarra e vocais) e Olivia Sparnenn (vocais), e conta com outros músicos talentosos em sua formação, incluindo Andy Smith (baixo), Iain Jennings (teclados) e Alex Cromarty (bateria).

As influências do grupo foram Genesis e Pink Floyd, e música folclórica. Mais tarde álbuns também incluía influências mais contemporâneas.

O primeiro álbum da banda, "For All We Shared", foi lançado em 1998 e recebeu elogios da crítica e dos fãs.

Desde então, Mostly Autumn lançou vários outros álbuns de estúdio, incluindo "The Last Bright Light" (2001), "Passengers" (2003), "Heart Full of Sky" (2006) e "White Rainbow" (2019).

Mostly Autumn tem sua própria gravadora independente e opta por financiar cada álbum. O grupo geralmente imprime uma edição limitada de cada álbum, e vende-os para cobrir os seus custos de gravação.

A versão comercial do disco é, então, disponibilizada através de distribuidores, grupo de concertos e através do seu site.

Cada um desses álbuns apresenta uma mistura única de rock progressivo, folk e outros estilos musicais, mostrando a habilidade da banda em criar músicas variadas e envolventes.

Uma das características mais marcantes da Mostly Autumn é a sua habilidade em criar atmosferas envolventes e emocionais através de suas músicas.

As letras de suas músicas muitas vezes são inspiradas por temas como a natureza, a mitologia e a espiritualidade, e combinadas com a música, criam uma experiência sonora única e emocionante.

Com uma presença de palco forte e músicos talentosos, a banda apresenta um show ao vivo envolvente e emocionante, que é um verdadeiro deleite para os fãs de rock progressivo, Mostly Autumn certamente é uma banda que vale a pena ouvir e ver ao vivo.

TOM WAITS

Tom Waits é cantor, compositor e mestre da Poesia Musical Americana

Tom Waits é um dos artistas mais icônicos e influentes da música americana.

Nascido em 1949, em Pomona, Califórnia, Tom Waits começou sua carreira como um cantor folk tradicional, mas rapidamente desenvolveu um estilo único que incorporava elementos de jazz, blues, rock e música experimental.

Tom Waits é conhecido por sua voz distinta e rouca, que ele usa para entregar letras poéticas e profundas. Suas canções muitas vezes contam histórias sobre personagens marginais, bêbados, vagabundos e outras pessoas que vivem à margem da sociedade.

Waits também é famoso por suas letras surreais e às vezes absurdas, que são frequentemente esperadas em obras de escritores como William S. Burroughs e Charles Bukowski.

Ao longo de sua carreira, Waits lançou uma série de álbuns aclamados pela crítica, incluindo "Closing Time" (1973), "Rain Dogs" (1985), "Bone Machine" (1992) e "Mule Variations" (1999).

Ele também escreveu a trilha sonora para vários filmes, incluindo "A Força do Destino" (1982) e "Drácula de Bram Stoker" (1992), e apareceu em vários filmes e programas de televisão.

Uma das coisas mais impressionantes sobre a música de Tom Waits é a sua versatilidade. Ele pode mudar facilmente de um estilo para outro, indo de baladas melancólicas para canções com influências jazzísticas, ou rock'n'roll com batidas frenéticas e riffs de guitarra selvagem.

Sua música é frequentemente descrita como um híbrido de blues, jazz, folk e rock, e é difícil rotulá-la em qualquer gênero específico.

No entanto, independentemente do estilo ou gênero em que ele se encontra, o coração da música de Waits é sempre a sua poesia e habilidade para contar histórias.

Suas letras são frequentemente enigmáticas e abertas à interpretação, mas sempre evocam imagens fortes e poderosas que ficam na mente do ouvinte.

Ao longo de sua carreira, Tom Waits ganhou vários prêmios e honrarias, incluindo o Grammy Award e a introdução no Rock and Roll Hall of Fame. Sua influência pode ser vista em uma ampla variedade de artistas, desde Nick Cave e Elvis Costello até o rapper americano Jay-Z.

JOHNNY WINTER

Johnny Winter tocou com Muddy Waters, Janis Joplin e Jimi Hendrix

Johnny Winter foi um lendário guitarrista e cantor de blues americano, conhecido por sua habilidade técnica excepcional na guitarra e seu estilo único de tocar o blues.

Johnny Winter nasceu em Beaumont, Texas, em 23 de fevereiro de 1944, e cresceu em uma família musical.

Seu pai tocava violino e sua mãe tocava piano, ele e seu irmão Edgard winter cresceram aprendendo a tocar vários instrumentos.

No entanto, Winter encontrou sua verdadeira paixão pela guitarra e rapidamente se tornou um dos melhores guitarristas de blues de sua geração.

Winter começou a tocar profissionalmente na década de 1960, tocando em clubes de blues e gravando álbuns com várias bandas.

Seu primeiro álbum solo, "The Progressive Blues Experiment", foi lançado em 1969 e apresentava seu estilo de guitarra altamente técnico e virtuoso.

Winter tornou-se famoso por seu uso de uma guitarra Gibson Firebird e sua técnica de slide, que lhe permitia tocar notas incrivelmente rápidas e limpas.

Ele continuou a gravar e se apresentar ao longo dos anos 70 e 80, lançando vários álbuns que se tornaram clássicos do blues.

Tocou também com vários outros músicos famosos, incluindo Muddy Waters, Janis Joplin e Jimi Hendrix.

No entanto, Johnny Winter lutou contra o vício em drogas e álcool durante grande parte de sua carreira, o que afetou sua saúde e impediu de alcançar todo o seu potencial como músico.

No final dos anos 90 e início dos anos 2000, ele fez um retorno surpreendente ao mundo da música, lançando vários álbuns aclamados pela crítica e ganhando uma nova geração de fãs.

Ele também continuou a se apresentar ao vivo até pouco antes de sua morte em 2014.

O legado de Johnny Winter como um dos maiores guitarristas de blues de todos os tempos é inegável.

Seu estilo único e virtuosismo técnico influenciou gerações de músicos de blues e rock.

Ele também ajudou a trazer o blues para o mainstream na década de 1970, tornando-se um ícone do rock e uma inspiração para muitos jovens guitarristas.

Winter recebeu prêmios e honrarias ao longo de sua carreira, ganhou 3 prêmios Grammy e em 1988 entrou para Blues Hall of Fame.

Seu legado musical continua a inspirar e inspirar músicos em todo o mundo, e sua música permanece como um testemunho duradouro de sua habilidade e paixão pela guitarra e pelo blues.

MONALISA TWINS

Banda das irmãs gêmeas Mona e Lisa, 1º disco aos 16 anos de idade

Elas querem continuar a tradição dos anos 60 no modo de escrever músicas, trazendo de volta o que foi iniciado anos atrás e escrever músicas modernas na tradição da música Beat dos anos 60.

Em seu álbum de estreia, When Were Together, que gravaram com apenas 16 anos, elas apresentam as melhores músicas do RocknRoll e Beat, se aventurando nos gêneros Psicodélico, Folclórico e Latino, inspirados nos gostos de Beatles, Bob Dylan ou Simon & Garfunkel.

O atual álbum, ORANGE, oferece uma abordagem mais madura, mantendo-se fiel à escrita melódica dos anos 60, muitas harmonias e toques de guitarra, este álbum se expande em tons mais psicodélicos, blues e jazzísticos.

Com 10 anos de carreira, 5 álbuns, mais de 100 videoclipes, milhões de visualizações no YouTube, dezenas de milhares de inscritos e muito sangue, suor e lágrimas depois, elas estão vivendo e trabalhando em Liverpool - UK. Com uma série de shows ao vivo na Europa, Reino Unido, EUA e Austrália.

O que elas mais se orgulham? Elas fizeram do seu jeito. Todos os vídeos que elas lançaram, todas as músicas que elas escreveram, todos os álbuns lançados por elas, todos os posts em blogs nas redes sociais e até mesmo o site delas vêm do espírito coletivo de sua pequena, mas poderosa equipe.

Isso não significa que elas não querem ou precisam da ajuda de outras pessoas, mas isso significa que elas estão dispostas a trabalhar duas ou três vezes mais para que não tenham que dar sua liberdade criativa ou valores para qualquer sucesso a curto prazo. Elas criaram seu próprio selo e levaram o DIY a um nível totalmente novo.

HUMBLE PIE

Humble Pie: uma das bandas de rock mais subestimadas da década de 1970

A banda Humble Pie foi formada em 1969, em Essex, na Inglaterra, por Steve Marriott, ex vocalista da banda The Small Faces, e Peter Frampton, ex guitarrista da banda The Herd. Completavam a formação Greg Ridley no baixo e Jerry Shirley na bateria.

O som da Humble Pie era uma mistura de RocknRoll e blues, com uma energia crua e potente. A banda logo ganhou fama por suas performances ao vivo, que eram intensas e empolgantes.

Em 1969, a Humble Pie lançou seu primeiro álbum, "As Safe As Yesterday Is", que incluía covers de músicas de blues e rock, além de algumas composições próprias. O álbum foi bem recebido pela crítica e pelos fãs, e os reconheceu como uma das bandas de rock mais promissoras da época.

O segundo álbum da banda, "Town and Country", lançado em 1970, foi um sucesso ainda maior, com um som mais refinado e bem produzido. A banda continua a evoluir em direção a um som mais pesado e elétrico, com o lançamento do terceiro álbum, "Rock On", em 1971.

Problemas pessoais e disputas entre gravadoras impediram a banda de atingir sucesso em massa, e Frampton deixou o Humble Pie em 1971 para iniciar uma carreira solo.

Com Dave Clempson substituindo Frampton, o Humble Pie foi para um som ainda mais pesado, firmado nas raízes blues e soul de Marriott, mas ainda assim foi incapaz de chegar ao grande público.

Em 1972, eles lançaram o álbum "Smokin'", que é considerado por muitos fãs como seu melhor trabalho. O álbum incluía músicas como "30 Days in the Hole" e "I Don't Need No Doctor", que se tornaram clássicos do rock. O som da banda era agora ainda mais poderoso e enérgico, com riffs de guitarra memoráveis e vocais intensos de Marriott.

Infelizmente, a Humble Pie nunca alcançou o mesmo nível de sucesso comercial de outras bandas de rock da época, como Led Zeppelin ou The Who. Isso se deve em parte à sua falta de foco em criar singles de sucesso, mas também pode ser atribuído à sua confiança como uma banda de rock ao vivo, que era melhor em um show ao vivo do que em um disco.

Mudanças constantes em sua formação impediram a banda de atingir seu potencial completo, embora eles tenham continuado gravando e se apresentando até 1976.

Ainda assim, a Humble Pie teve um impacto significativo na história do RocknRoll, influenciando bandas posteriores como o Black Crowes e o Gov't Mule. A banda também é lembrada por sua energia ao vivo, que inspirou muitos fãs de rock a começar suas próprias bandas.

Em 1991, Steve Marriott morreu em um incêndio em sua casa, encerrando definitivamente a carreira de Humble Pie. Mas o legado da banda vive até hoje, graças à sua música e sua influência no mundo do RocknRoll

Em resumo, a Humble Pie foi uma das bandas de rock mais subestimadas da década de 1970, mas sua música e energia ao vivo continuam a inspirar fãs de rock de todas as idades.

Se você ainda não conhece o som da Humble Pie, é hora de descobrir o que está perdendo.

JACK WHITE

Jack White em "It Might Get Loud" mostra sua importância para o rock

Jack White é um músico, produtor e compositor americano conhecido por seu trabalho solo e com as bandas The White Stripes, The Raconteurs e The Dead Weather.

Nascido em 9 de julho de 1975 em Detroit, Michigan, White é uma figura central do rock alternativo e do blues rock, e é amplamente reconhecido por sua habilidade em tocar guitarra, piano e bateria.

White começou sua carreira musical como baterista, tocando em diversas bandas locais em Detroit. No entanto, foi com a formação da dupla The White Stripes em 1997, ao lado de sua então esposa Meg White, que ganhou destaque nacional e internacional.

A banda se destacou pelo seu som cru e minimalista, baseado em riffs de guitarra, bateria e vocais energéticos. O sucesso comercial de White Stripes rendeu a Jack White diversos prêmios e aclamação da crítica, incluindo sete Grammys.

Jack White: O músico versátil e inovador

Lançado em 2008, o documentário "It Might Get Loud" reúne três grandes guitarristas: Jack White, Jimmy Page (Led Zeppelin) e The Edge (U2), explorando suas histórias musicais, influências e estilos de tocar guitarra.

No documentário, Jack White fala sobre sua paixão pela música e pela guitarra, discutindo seu processo criativo e técnico, bem como sua filosofia de trabalho. Ele também mostra algumas de suas técnicas de guitarra, incluindo seu uso de acordes abertos e criação de riffs usando apenas uma corda.

A participação de Jack White em "It Might Get Loud" é uma prova de sua importância e influência na música contemporânea, e também destaca sua abordagem única e inovadora para a guitarra e a música em geral.

Um aspecto notável da carreira de Jack White é sua habilidade em produzir e colaborar com outros artistas. Ele produziu álbuns para artistas como Loretta Lynn, Wanda Jackson e Neil Young, e colaborou com artistas como Alicia Keys, Beck e Danger Mouse.

DEREK TRUCKS e SUSAN TADESCHI

Derek, guitarrista excepcional, e Susan, cantora de voz poderosa

Derek Trucks e Susan Tedeschi são dois músicos talentosos que, juntos, formam um casal perfeito na música e na vida pessoal.

Derek, um guitarrista de slide excepcional, e Susan, uma cantora de blues e soul de voz poderosa, têm trabalhado juntos em vários projetos ao longo dos anos, incluindo o Tedeschi Trucks Band, uma banda que funde blues, rock e soul em uma mistura única e envolvente.

Derek nasceu em Jacksonville, na Flórida, em 1979, e começou a tocar guitarra aos nove anos de idade. Ele cresceu em uma família de músicos - seu tio era o lendário guitarrista de slide Duane Allman, do Allman Brothers Band, e sua mãe era uma cantora de jazz.

Derek começou a tocar profissionalmente ainda adolescente, e rapidamente ganhou fama como um dos melhores guitarristas de slide do mundo.

Susan nasceu em Boston, Massachusetts, em 1970, e começou a cantar em clubes de blues locais quando ainda era adolescente.

Ela se mudou para Nova York na década de 1990 e começou a tocar com várias bandas de blues e soul, antes de lançar seu primeiro álbum solo, "Just Won't Burn", em 1998.

O álbum foi um sucesso crítico e comercial, e Susan rapidamente se tornou uma das cantoras de blues e soul mais respeitadas do mundo.

Em 2010, Tedeschi tocou no Hendrix Experience, um show comemorativo em homenagem a Jimi Hendrix, que aconteceu no Hollywood Bowl em Los Angeles, Califórnia.

O Hendrix Experience foi organizado por Eddie Kramer, que foi o engenheiro de som de Hendrix, e contou com uma grande variedade de artistas interpretando músicas de Hendrix.

Você pode conferir no site experiencehendrixtour.com

Tedeschi tocou a música "Spanish Castle Magic" no Hendrix Experience, e sua performance foi muito elogiada pela crítica e pelos fãs. Ela mostrou sua habilidade na guitarra e sua voz poderosa, que combinavam perfeitamente com a música de Hendrix.

Ele é conhecido por seu estilo de tocar slide guitar e já tocou com diversos artistas, incluindo Eric Clapton.

Trucks tocou com Clapton em várias ocasiões, incluindo na turnê mundial de Clapton em 2006 e 2007. Em 2010, Trucks juntou-se a Clapton novamente para a Crossroads Guitar Festival, um festival de música organizado por Clapton que contou com uma variedade de artistas de blues e rock.